“下城往事” ，80年代纽约的另一张面孔

提起纽约，很多人想到的一定是充斥着高级感和Old Money味道的上东区(Upper East Side)，在很多美剧如《绯闻女孩》和《欲望都市》等中，都把住在上东区标榜为真正的身份、地位和财富的象征。但在这样一个什么事都可能发生的超级大都市里，除了上流社会特有的老都市味道和高级感之外，还有更多奇思妙想的灵感与创造性在闪动着。

纽约的下城（down town）则是那此具有创意和胆识的艺术家们的聚集之地，这里的街道较狭窄、楼房较低矮、音乐较喧闹，但人们的心胸较宽广、衣服较炫酷、梦想较远大。虽然在上世纪80年代，美国的经济还未从萧条的低谷中复苏，犯罪率的飙升也让城市笼罩于黑暗之中，但艺术的表达与探索却进入了极具创造性的时期。下城风格主导着纽约的前卫和时尚，代表了活力、多元化和与众不同的自由。无数居住在此地的艺术家、设计师、创意者等，也激发出这个城市最大的可能性。

伴着2022年的国庆长假开始，“下城往事：1980年代的纽约艺术现场”展览也在北京UCCA当代艺术中心正式对公众开放。这次展览呈现了60位/组艺术家的近200件作品，包括当时朝气蓬勃的凯斯·哈林、让-米歇尔·巴斯奎特；被称为“图像一代”的辛迪·舍曼、理查德·普林斯；世界级涂鸦艺术家Crash、Daze、唐迪；将纽约视为创作缪斯的简·迪克森、黄马鼎；以及当时对年轻艺术家产生影响的瓦莱丽·贾登、白南准……也包含了多位首次在中国地区展出的艺术家。通过一系列洞察时代气象的作品，包含了丰富的表现方式，涵盖了如涂鸦、绘画、素描、摄影、电影、雕塑和装置等不同媒介，聚焦20世纪80年代纽约下城极具创造性的艺术表达与探索，带领观众回到了“80年代的纽约艺术现场”。

在于9月30日举办的展览新闻发布会现场，UCCA副馆长尤洋说到：“此次展览的参展艺术家，他们的许多曾经都默默无闻，但如今已经被视为20世纪末最重要的艺术家。本次展览的重点是带观众重新回到当年的艺术现场。让北京迥异、创作意图多元的艺术家展开对话。共同讲述在面临着消费主义文化兴起，城市各种问题加剧的挑战下，艺术实验是如何勃发，富有生命力。”

UCCA馆长田霏宇在随后的视频致辞中谈到：“此次展览，我们希望讲述一个完整、多元的故事。60位艺术家中，有大量的女性，不同的身份、角度、倾向。把丰富多彩的80年代纽约艺术现场彻底的展现出来。疫情三年来，人们很久没有跨洲旅行的机会，希望通过此次展览带给观众一种超越、探索的可能性。展览中有许多我们熟知的艺术家，也有许多惊喜的陌生面孔，通过对比和多元化的呈现，可以让观众看到艺术自身的力量。”

而关于本次展览特别邀请的两位策展人，田霏宇介绍到：“卡洛·麦考密克是一位亲身经历者，在当时就与展览中的所有艺术家认识，有许多共同成长的经历。彼得·逸利是一位出身于纽约的70后策展人，因此他更多的是从后来人的视角去观看这一段历史。他们一个更加个人、感性，另外一个则更加学术、理性。他们的组合，可以更加凸显出艺术的力量。”

“下城往事：1980年代的纽约艺术现场”展览共包含10个章节，这些章节没有遵循线性的时间线索，也没有依据风格或媒介展开，而是通过背景和动机迥异的艺术家之间的对话，展现了处于艾滋病危机、城市快速士绅化和消费文化飞速发展时代背景下，纽约下城区艺术群体的先锋艺术探索：从城市涂鸦到夜生活，从危机爆发再到新的希望，展览也立体地呈现出了80年代纽约下城区的不同侧面，揭示城市表面之下错综涌动的艺术创造力。

缪斯之城 

“缪斯之城”将观众带入80年代纽约。藉由黛安·伯恩斯（Diane Burns）、帕博·克罗、凯斯·哈林（Keith Haring）等人在公共空间中进行的创作与演出，除了对艺术自由言论和审美构成“重要”艺术的更为哲学化的讨论之外，关于公共空间的创作还涉及到周边城市发生的物质变化，是一次关于生活与艺术的空间改造，也是一种对新生活方式的探索。

全球品味

“全球品味”一章展示了莎拉·查尔斯沃思（Sarah Charlesworth），路易斯·弗兰格拉（Luis Frangella），玛莎·罗斯勒（Martha Rosler），劳丽·西蒙斯（Laurie Simmons），以及其他一些人是怎样利用艺术史、大众文化以及广告形象来批评美国的消费文化。关注图像如何塑造我们的日常生活和整个社会，向观众展示人们对图片、物体甚至思想的认知是如何通过它们的背景而转变的。

黑光

“黑光”一章将凯斯·哈林（Keith Haring）、肯尼·沙夫（Kenny Scharf）为夜店绘制油画和雕塑结合起来，展现了当时的艺术与快速发展的夜生活。在互联网出现之前，推广者通过制作创新的传单来宣传他们可以提供的最棒夜店之旅。这些引人注目的活动宣传绘画、设计成为不可或缺的一部分，居民们急于登录邮件列表，立即“进入”当晚最酷的场景。

深陷危机

“身陷危机”章节则再现了艾滋病对80年代的沉重打击。面对自身的死亡，或为了纪念逝去的朋友，艺术家们以带有浓重忧郁色彩的作品试图唤起人们对身体脆弱性的关注。

现场

面对悲伤，许多艺术家一如在“现场”章节中马里珀和曾广智镜头下聚会的音乐家、歌星和俱乐部成员那样，试图在群体中寻求藉慰。

流动的身份

除了在俱乐部中所展现的角色之外，艺术家们还对新的身份和自我表演模式展开了探索。“流动的身份”章节中，阿什利·比克顿（Ashley Bickerton）将自己风格化的个人品牌置于企业商标之中、斯特蒂文特（Sturtevant）则复制了凯斯·哈林的作品，洛兰·奥格雷迪（Lorraine O'Grady）通过行为表演挑战了艺术界内外对黑人身份的构建与接纳。

神话与原型

在“神话与原型”章节中，不拘一格的艺术家，如罗伯特·霍金斯（Robert Hawkins）、珍妮·霍尔泽（Jenny Holzer）、托马斯·拉尼根-施密特（Thomas Lanigan-Schmidt）、尼古拉斯·穆法雷格（Nicolas Moufarrege）、辛迪·舍曼（Cindy Sherman）、白南准（NamJune Paik）、理查德·普林斯（Richard Prince）和南希·斯佩罗（Nancy Spero），通过对漫画、低俗小说和神话中图像的挪用和批判，介入美国例外主义的叙述，并打破了人们对性别的既定观念。

幕布和舞台

“幕布和舞台”章节则汇集了罗伯特·库什纳（Robert Kushner）、朱利安·施纳贝尔（Julian Schnabel）等其他艺术家针对自己所处环境的反思性创作，这些艺术实践涉及戏剧、舞蹈，以及最早被涂鸦占据的墙壁和地铁。

从未到来的未来

在“从未到来的未来”章节中，拉梅尔兹（Rammellzee）和埃尔斯沃思·奥斯比（Ellsworth Orbis）沉醉于非洲未来主义所蕴含的自由潜力，而肯尼·沙夫（Kenny Scharf）色彩鲜艳的动画片《杰森一家》的角色则预示着对曾许诺的未来的怀念，这种伤感亦将持续几十年之久。

物逝人非

展览的最后一章“物逝人非”（Obsolete Creatures）转向20世纪80时代落寞的谢幕，此章节标题源自黄马鼎描绘恐龙骨架的画作《过时的生物》（Obsolete Creatures），他也是众多不幸因艾滋病离世的杰出艺术家之一。

随着20世纪90年代的到来，纽约以及艺术家群体也发生了改变。就某些方面而言，下城区的艺术家们对街头文化、高级艺术（high art）和前沿技术的远见卓识已被广告和大众媒体所接纳。而在之后的十年间，互联网的发展开启了新的互联时代，并对纽约的世界文化之都的自我定位提出了挑战。

最后，站在四十年之后回望，或许我们能更好地审视与理解曾经发生的一切。“下城往事”所呈现的艺术实践在今时今日，尤其是在中国，仍然具有特殊的生命力，在中国当代艺术发展的早期，城市正是艺术灵感的重要来源。此次展出的作品仍将激发观众的想象力，引导我们在充满变化以及不确定的当下，探究艺术和所有创造性自我表达的无数可能。